One Punch Man (ワンパンマン) podría enmarcarse fácilmente en el género satírico. Yo no protestaría: la obra juega, deconstruye y parodia las convenciones y clichés del shōnen, con múltiples referencias argumentales y gráficas a famosos productos como DragonBall (por poner un ejemplo). Es divertido, gracioso, inteligente y lleno de acción pero para mí parte de su clave está en otro lado: a pesar de momentos y personajes muy cínicos, tiene una visión muy honesta e ideal del concepto del héroe, algo que se está perdiendo en muchos otros lugares.

Nacido como webcomic obra del artista One, después de un tiempo se convirtió en un exitoso manga con dibujo (muy) mejorado de Yusuke Murata. El éxito del manga lo llevó, como tantas veces pasa, a las pantallas, en un anime de, por ahora, 12 episodios realizado por Madhouse (con varios especiales y OVAs), que es el producto del que yo he disfrutado y que, antes de entrar en "profundidades", recomiendo encarecidamente.


El protagonista de One Punch Man, y quien le da el título a la obra, es Saitama, un héroe exageradamente poderoso que puede terminar cualquier pelea con un solo puñetazo y, básicamente, es invencible. ¿El origen de su poder? Hace tres años, cuando solo era un joven parado que volvía a casa pensando qué hacer con su vida, salva a un niño de las garras de un crustáceo antropomórfico (hecho que, sutilmente, pone en marcha uno de los elementos fundamentales de la historia, la "Hero Association"). En ese momento, decide que se va a convertir en un héroe. Su sueño de niño era ser el héroe más poderoso del mundo, alguien que destruía a sus enemigos de un solo golpe y... entrenando tan duramente (aunque más tarde descubrimos que dicho entrenamiento no era tan duro) que se queda calvo y consigue sus poderes. Desde el comienzo, la historia juega con los tropos del género superheroico, con una historia de origen carente de tragedia o elementos externos, algo que me parece interesante: Saitama se convierte en el héroe que siempre quiso ser por pura fuerza de voluntad, despertando algo que está dentro de él, y si me pongo un poco pretencioso, algo que está dentro de todos, la capacidad de ser un héroe.


Sin dejar a Saitama, y antes de entrar en otros de los personajes de la historia, otro punto fundamental al comienzo es que el protagonista se autoproclama héroe por diversión, por afición, algo que hacer con su tiempo libre. Aunque más adelante entra en la "Hero Association", profesionalizando sus hazañas, su actitud permanece más o menos la misma que al comienzo: esto es algo que hace porque quiere, no por una deuda, una tragedia, un sentido del deber o nada similar, sino porque le gusta y porque era su sueño. Este tipo de actitud está bastante ausente de este tipo de historias y, la verdad, es refrescante, porque significa que cada vez que sigue poniéndose su traje, lo hace única y exclusivamente porque quiere.

Otro elemento que me pareció interesante en la historia es el hecho de que su protagonista es invencible: nunca tememos por su seguridad, nunca tiene que superar a ningún enemigo, no tiene que mejorar porque no puede ser más poderoso. Entonces, ¿cómo se sostiene una historia en este género si el espectador tiene serios problemas para animar al héroe? Inteligentemente, One Punch Man recurre a varios elementos para mantenernos enganchados durante la historia y los combates de su protagonista:


1- La espectacularidad de la batallas, la creatividad (o, en muchos casos, clara referencia a algo existente pero con un giro) y el humor, que muchas veces emana de la incredulidad de los villanos ante el poderío de su rival, nos mantienen siempre entretenidos.

2- La historia presenta una serie de desafíos para Saitama basados en elementos externos al combate, ya sea dentro de lo absolutamente cotidiano o lo "administrativo" de la "Hero Association", pasando por el hecho de que la mayoría de la gente que salva de las diferentes y desproporcionadas amenazas, cree que es un fraude, alguien que llega al final de la batalla para quedarse con la gloria después de que el resto de héroes ha hecho su trabajo. Esto último es quizás lo más interesante, porque crea una sensación de injusticia en el espectador que nos acerca mucho a Saitama. Lo mejor de todo, y eso es lo que le hace un Héroe, es sus momentos de cara al público en los que es capaz de elevarse por encima de la humanidad (a la que cede en muchas ocasiones, lo que hace al personaje más fácil de reconocer), mejor ejemplificados al final del episodio 9 (不屈の正義/Fukutsu no Seigi/Unyielding Justice), cuando acepta por completo ser el blanco de las iras del público para permitir mantener la gloria y espíritu del resto de los héroes intacta.


3- Por último, aunque definitivamente no menos importante, a lo largo del desarrollo de One Punch Man, vamos conociendo a más personajes que nos dan algo más a lo que agarrarnos. Dentro del tema heroico que nos ocupa hoy, me gustaría destacar dos de ellos (aunque "héroes" como tales tenemos de todos los tipos, formas, morales y actitudes). El primero es Jenosu (Genos), el personaje más importante de la serie junto a Saitama (alguno diría que el más importante y punto). Genos es un cíborg al que vemos en el papel de pupilo del protagonista y la personificación del protagonista de un shōnen: historia de origen trágica, afán de superación, superpoderoso, con la posibilidad de lanzar rayos energéticos, constantemente mejorando sus habilidades y equipación, intenso, alguien que se toma (demasiado) en serio absolutamente todo, con tendencia a largos discursos, buscando a alguien de su pasado (y su némesis, además)... Pero también es heroico en el sentido más clásico de la palabra y su viaje del héroe es parte de lo que nos mantiene interesados en la historia. Al fin y al cabo, si solo estuviéramos con Saitama, nada de lo que ocurriera tendría mucha importancia ya que no supone algo importante para él (a no ser que sea perderse unas rebajas en el supermercado).
El otro personaje que no puedo dejar de mencionar cuando hablamos de héroes, es Mumen Raidā (License-less Rider), un hombre sin poderes y una bicicleta llamada justicia... Un héroe, efectivamente ridículo pero, al final, un héroe del pueblo y, no solo eso, quizá el personaje que más puramente representa el heroísmo: siempre lucha por la justicia y ayuda, donde puede, aunque las amenazas le queden grandes, aunque se vea absolutamente superado y nunca, nunca, se rinde. En su primera aparición parece poco más que un chiste, y lo es, cierto, pero con el paso del tiempo vemos en él algo a lo que aspirar, alguien a quien admirar y sus interacciones con Saitama los engrandecen a ambos.


Hay muchas cosas más que comentar de esta corta serie de solo 12 episodios (y 10 tomos de manga), mucho. Muchos personajes especialmente que podrían dar lugar a más análisis, como Onsoku no Sonikku (Speed-o'-Sound Sonic), Handsomely Masked Sweet Mask (Ikemen Kamen Amai Masuku) o Shirubā Fangu (Silver Fang)... pero hoy quería hablar un poco de un tema que me llamó la atención viendo este anime, un elemento que me pareció muy interesante encontrar en una historia tan cómica y que la hace brillar por encima del puro entretenimiento, mucho más en una era en la que el héroe oscuro y moralmente reprochable está tan de moda. No os lo perdáis.

En los últimos años, dejé de ver bastantes series. Por un lado, por tiempo, por otro, llegó un momento en que me apetecía empezar a ser más selectivo. En el mundo de los cómics me pasó lo mismo (cambia lo de "tiempo" por "dinero" en ese caso, y más o menos es lo mismo). Según avanzamos en nuestra vida, creo que tendemos a saber más lo que nos va a gustar, a aguantar menos lo que no y a saber que, especialmente ahora, hay TANTO que disfrutar que, mantenerse en el tren de algo que no disfrutas es un poco ridículo, aunque solo sea por todo lo que no estás probando y que, potencialmente, puedes disfrutar mucho más.

Así que, el punto en que estoy ahora en cuanto a series, comparado con hace no tantos años, está muy claro: ver solo lo que me gusta; ver solo los primeros episodios de cosas que me llamen; tamizar, tamizar, tamizar. Y, dentro de esta política, en ocasiones quedan huecos interesantes en la parrilla personal. A veces podemos llenarlos con revisiones, a veces poniéndonos al día con cosas que nos gustan pero que se nos han acumulado... y, a veces, con contenido entretenido y un poco más insustancial que acompaña estupendamente como los concursos. Pero, hay muchos tipos de concursos/realities: están los que continúan entre sus entregas (Top Chef, MasterChef, Survivor, Project Runway...) y los que no, esos que, haciendo la analogía con el mundo de las series, llamo procedimentales.

Os empiezo avisando: ya sé que en España hay concursos pero, por una cosa o por otra, como ya os conté hace más de 4 años, en USA saben hacer estas cosas mejor. Dicho eso y que cada uno disfrute de lo que le gusta con gusto, os cuento mis concursos procedimentales favoritos para rellenar mis huecos (sin orden especial):

- Cutthroat Kitchen:
Cadena: Food Network.
Desde el año: 2013.
Número de programas: 136 en 11 temporadas + 1 especial.
Presentador: Alton Brown.
De qué va: 4 competidores tienen que preparar un plato en un tiempo limitado. El que mejor lo prepare según el juez de turno (basado en presentación, sabor y lo que se parece el plato al que se les pidió preparar), pasa a la siguiente ronda. Al principio se les da dinero para comprar sabotajes a los competidores y el que gana se lleva el dinero que le haya quedado.

Empezó bastante suave en su primera temporada pero en cuanto abrazó su idiosincrasia y se dio cuenta de que lo que lo hace diferente (los sabotajes) se podía aprovechar mucho más, se convirtió en un programa mucho más divertido y loco.

- Chopped:
Cadena: Food Network.
Desde el año: 2009.
Número de programas: 339 en 26 temporadas + 15 especiales.
Presentador: Ted Allen.
De qué va: 4 competidores tienen que preparar un entrante, un plato principal y un postre utilizando obligatoriamente los 4 ingredientes secretos de la cesta que proporciona el programa. Cada ronda se elimina el peor plato (a veces pueden ser eliminados por dejar uno o varios de los ingredientes secretos sin usar o sin transformar lo suficiente) según 3 jueces que se basan en sabor, presentación y creatividad. El ganador se lleva, normalmente, 10.000$.

Un clásico ya de la televisión americana que, según han ido pasando los episodios, ha tenido que inventar programas temáticos y competiciones especiales para variar, lo que ha hecho que no pierda el interés o se repita demasiado. Siempre entretenido también pensar qué prepararías tú con los ingredientes que tocan en cada ronda y descubrir ingredientes extraños (y cómo usarlos en contextos... diferentes).

- Lip Sync Battle:
Cadena: Spyke.
Desde el año: 2015.
Número de programas: 21 en 2 temporadas y 1 especial.
Presentadores: LL Cool J y Chrissy Teigen.
De qué va: Basado en una idea de John Krasinski presentada en el Late Night with Jimmy Fallon, donde empezó el formato de forma reducida, el concurso enfrenta a dos famosos que tienen que cantar en playback 2 canciones (la segunda a lo grande, con escenarios, bailarines, maquillaje, traje, coreografías y demás). El público vota al final quién lo ha hecho mejor.

Un formato muy divertido que, cuando pasó a formato de 40 minutos, tenía miedo de que se hiciera demasiado largo, pero que consiguen que se pase muy rápido. Cuando mejor funciona es cuando los famosos te interesan, claro, pero sobre todo cuando lo dan todo en sus actuaciones y no pasan por allí solo para promocionar algo. Por suerte, el éxito del formato ha atraído a grandes estrellas que, además, se lo curran mucho en general.

- Hollywood Game Night:
Cadena: NBC.
Desde el año: 2013.
Número de programas: 41 en 4 temporadas.
Presentadora: Jane Lynch.
De qué va: Dos equipos compuestos por "una persona normal" (que actúa de capitán) y 3 famosos promocionando algo (y bebiendo) compiten en rondas de juegos de cultura popular que adaptan clásicos americanos de esos de jugar con amigos después de cenar un sábado con algunas ideas nuevas divertidas. El capitán del equipo con más puntos al final tiene una ronda adicional en la que puede ganar 20.000$.

Uno de esos concursos que NBC estrenó para rellenar básicamente y que ha terminado teniendo mucho éxito por ser muy divertido y dejar muchos momentos ridículos de personas famosas que, básicamente, además de que están promocionando algo, van porque Jane Lynch parece conocer a muchos famosos y caerle bien a todo el mundo aunque sea más alta que la mayoría de ellos. Buen programa también para jugar según estás viéndolo y reírte un rato.

- Celebrity Name Game:
Cadena: Sindicación.
Desde el año: 2014.
Número de programas: 257 en 2 temporadas.
Presentador: Craig Ferguson.
De qué va: Dos equipos de dos "personas normales" compiten en 3 rondas en las que alguien describe algo sin decirlo y alguien tiene que adivinarlo (va variando el sujeto según la ronda). Cada equipo cuenta en las dos primeras rondas con la ayuda (o no tanto) de un famoso (o no tanto). La pareja que tenga más dinero después de las rondas, va a la ronda final donde los dos famosos tienen que adivinar las 10 cosas que se les describen en un tiempo limitado y pueden ayudar a ganar a la pareja 20.000$ más.

El programa menos conocido de todos los comentados, en parte porque no tiene una cadena fija, si no que se pone en cualquiera que quiera emitirlo, además del único que emite 5 programas semanales. Gran parte del encanto, además del juego, es el del presentador (del que soy muy fan) y las situaciones graciosas que ocurren habitualmente. Los famosos fuera de los USA suelen suelen ser poco famosos, además de repetirse muy habitualmente (la mayoría creo que son amigos de Craig que viven en L.A. y se pasan por allí), pero eso sorprendentemente no le quita mucho al programa. La intensidad de los concursantes y la tensión de la última ronda, por cierto, son contagiosas.

Buena pregunta, ¿no?

[Es cierto que la labor de un crítico es contextualizar y educar (en parte) pero, pese al título del post, no pretendo ser un crítico, casi ni entendido de música, sólo un aficionado más. Tomaros mis comentarios como tales.]


- Infestissumam, Ghost [2013]: El segundo disco de la banda sueca ha sido el primero que he descubierto del grupo. Parece que hay bastantes detractores de su trabajo, en parte porque parece que ha habido una corriente que ha querido catalogarles como algo más de lo que son. Parece, digo, porque yo me aproximo al disco desde el desconocimiento de todo el tema o de las diferentes maniobras promocionales... Y a mí me ha gustado. Para empezar, siempre es agradable escuchar a un grupo satánico teatral que no se apoya en un vocalista demasiado áspero. Es cierto que la batería no suena muy bien que digamos, que desde luego ése no es el centro de atención de la música. Personalmente, el gustillo viene de esa extraña mezcla musical, psicodélica, metal, pop, que resulta tan intrigante o hipnótica. Me niego hablar de originalidad, porque seguro que desde la mezcla hasta la puesta en escena tienen sus influencias, pero a mí me ha resultado fresco. Aunque, claro, no escucho tanta música como antes. Desde el circo de Secular Haze, pasando por Jigolo Har Megiddo y Ghuleh / Zombie Queen que resultan muy atrayentes, o los palos a la iglesia de Idolatrine, hasta el tenebroso Monstrance Clock y su pegadizo estribillo que cierra el álbum, las 10 canciones del disco ofrecen variedad musical (no tanto temática) suficiente y, sobre todo, una extraña mezcla que me hace volver a escucharlos una y otra vez, algo hipnótico, quizá algo de magia satánica, quien sabe, pero sin ser lo más genial o nuevo que escuchado nunca, me tienen bien sujeto.


- Venomous Rat Regeneration Vendor, Rob Zombie [2010]: La música de Rob Zombie es la que debería de sonar cuando en una película nuestro protagonista entra en un antro plagado de gente que da miedo o, en su defecto, en una fiesta en el cementerio. Personalmente, me gustó mucho Hellbilly Deluxe 2: Noble Jackals, Penny Dreadfuls and the Systematic Dehumanization of Cool [2010], su anterior disco, y no sólo por mi pertubadora admiración por los títulos largos (en el caso de Rob, los títulos de sus canciones y discos me parecen geniales), sino por todo lo que supone su música. Directa, sin pretensiones muy locas, adictiva, energética, sucia, vibrante y dolorosa como una patada en los huevos.
Su nuevo disco sigue con las mismas direcciones, sin repetirse pero dentro de su propio mundo. A falta de escuchas, quizá no tiene tantas pistas que enganchan en una primera escucha como el anterior disco (eso sí, la unión de su versión del We're An American Band de Grand Funk Railroad y Lucifer Rising, en falso directo, despierta a un muerto y no puedo evitar reírme cada vez que pienso en el título de la canción que abre el disco, Teenage Nosferatu Pussy), pero sigue siendo música que puedes reescuchar con atención o simplemente funcionar como banda sonora para actividades monótonas. Energía es algo que siempre me transmite y el antiguo cantante de White Zombie, parece que sigue teniendo de eso, y mucho.

[Por desgracia, escribo esto desde el conocimiento, es decir, que soy uno de esos pobres adictos, uno atascado en el nivel 266, pero un adicto al fin y al cabo.]

Candy Crush Saga apareció el 12 de Abril de 2012 en Facebook, el 14 de Noviembre de 2012 en móviles, para marzo de 2013, había ganado al FarmVille 2 como el juego más popular de Facebook, con 46 millones de usuarios y, en Julio del mismo año, se decía que ganaba 633.000 dólares diarios contando sólo la App Store americana (me cuesta creer esa cifra, la verdad).

Después de la ración obligada wikipédica, vamos al grano. Lo que quería ilustrar es que éste es un juego con un cierto tiempo y de sobra conocido, por lo que seguro que se han escrito cosas sobre su éxito, pero yo he decidido no leer ninguna de ellas (o buscarlas) por la siguiente razón: quiero saber si soy capaz, aunque sea tarde, cuáles son las claves del éxito del juego desarrollado por King.

Así que, ya me diréis en los comentarios si hay cosas por ahí (que las habrá y mejores) para que aprenda y qué os parecen mis conclusiones. Sin más, vamos a ver las que, para mí, son las 9 claves del éxito de Candy Crush Saga:


1.- Un sistema de juego de sobra conocido: Unir varias fichas de colores para hacerlas desaparecer es algo que llevamos haciendo y lleva funcionando desde hace décadas, ya sea en su formato estático, como éste, o el "dinámico" (con fichas cayendo, o una pantalla que se va moviendo). CCS coge el esquema básico, un esquema que cualquiera puede entender, y se dedica a añadir pequeñas variaciones y algunos elementos curiosos. Tener un sistema a prueba de bombas, probado y asequible, nunca será algo poco importante cuando hablamos de videojuegos, y menos en el caso de los puzzles.

2.- En la variedad de objetivos está el gusto: Además, inteligentemente, cada nivel tiene nuevos objetivos y variantes, que añaden dinamismo al juego, de modo que uno nunca siente que está haciendo lo mismo durante demasiado tiempo (hasta que se atasca en un nivel). Todo el mundo tiene sus tipos de nivel preferido o, más bien, odiado, lo que siempre añade a la mística del juego. Y, hablando de mística, que uno no pueda ver los niveles en mundos a los que no ha llegado aún, también ayuda a ello.

3.- Calidad gráfica y personalidad/estilo propios: Más de uno se me escandalizará por ese "titular", pero busquen entre los juegos gratuitos del género disponibles, por ejemplo, para Android, la presentación, el cuidado y la pinta de esos, es infinitamente menos cuidada (Candy Blitz será de los mejores y, fracamente, no se puede comprar). Animaciones, efectos, toques sutiles... Sí, la música es atroz, pero es no importa demasiado en juegos de móvil o para jugar en medio del trabajo, ya que todos sabemos que siempre jugamos con el volumen apagado. Y en cuanto a la personalidad, sí, utilizar figuras estáticas de teatrillo de marionetas de parvulario parece de gente vaga, pero al final le imprime al aspecto algo diferente. Algunos juegos no se esfuerzan por salir de lo genérico, aquí, al menos, se han esforzado en "crear" (al final, tampoco son muy originales) decenas de personajes absolutamente perturbadores.

4.- No tiene "single player" infinito: Es decir, que no hay distracciones ajenas al juego en sí, no hay modos de juego diferentes que puedan ocuparnos durante horas sin generar oportunidades para sacar los cuartos al jugador, nada fuera del modo principal, de el juego.


5.- Curva de dificultad "mal" hecha: Es curioso, pero mucha gente se acuerda de lo mucho que le costó pasarse el nivel 65, el 70 o el 130, que el 200. Hay 455 niveles en total, pero la dificultad no aumenta progresivamente, sino que tiene altibajos bastante grandes. De repente estás pasando un nivel que te ha costado muchos disgustos y de repente tienes unos cuantos bastante asequibles o, directamente, fáciles. ¿Por qué? O bien son unos inútiles o bien han hecho esto esperando disminuir el nivel de abandonos de su juego, creando situaciones en las que, cuando creemos que ya no queremos más, nos vuelven a animar haciéndonos creer que nos hemos vuelto unos genios.

6.- La presión social: Aún hay mucha gente que no utiliza la conexión a Facebook para jugar, pero la presión social existe de todos modos en el mundo 1.0. Saber en qué nivel está alguien que conoces o preguntarte cómo han podido pasarse algo que no puedes imaginar pasable, ver cuántos puntos ha realizado alguien y si le has superado... El pique, un clásico del mundo del videojuego, alimenta aún más las ganas de seguir pegado.

7.- Micropagos y ofertas: Por supuesto, el éxito de un juego así, se tiene que medir en el dinero que gana, y el CCS gana mucho dinero para su empresa. A parte de todo lo que hemos comentado y de lo que queda, el tema de los pagos, de cómo se gasta el dinero, es clave. Aquí el tema se basa en comprar créditos de Facebook de tal modo que siempre hay que comprar más de lo que uno necesita, haciendo que, al gastar, siempre quede en el bolsillo del jugador lo suficientemente poco para que haga falta comprar más. Por supuesto, otra clave son las ofertas, que venden diferentes cosas agrupadas a precios que son mucho más baratos que al hacer las comprar por separado... ¡y cómo no comprarlas entonces! Pero, a pesar de la importancia de estos factores, el verdadero secreto es aprovecharse de algo que ya muchos juegos están usando, el micropago, que consigue hacer creer al jugador que, realmente, no se está gastando tanto dinero y, poco a poco, está gastando incluso más que al comprar juegos que no requieren de pagos posteriores, sólo el inicial. Todos los sabemos, pero sigue funcionando.

8.- Vidas que se regeneran y boosters inútiles que no: En CCS tienes 5 vidas, 5 vidas que se terminan rápido pero que se regeneran, una a una, cada media hora (hablo de memoria). ¿Por qué nadie compraría entonces vidas si uno las puede obtener de forma gratuita sólo con esperar? Pues porque la paciencia no es una de las cosas por las que se caracterice el ser humano y porque, si uno cree que está apunto de pasarse un nivel, es complicado esperar y que esa sensación se enfríe (aunque sea falsa, porque la suerte es un factor mucho más poderoso que la habilidad en este juego). Los boosters o ayudas, por llamarlas de algún modo, no se regeneran, como las vidas (o en el juego de la misma empresa, y superior en mi opinión, Farm Heroes Saga). En algunos casos, el juego deja a los jugadores probar estas ayudas de forma gratuita, otras veces no, pero lo cierto es que, en muchos casos, son más efectistas que efectivas y no siempre nos harán triunfar. Sus precios, muchas veces en packs, son claramente elevados teniendo en cuenta lo que hacen, pero bajos si tenemos en cuenta el mundo en el que vivimos. Y ese efectismo, es sin duda una de las características que las hacen atractivas, porque nos hacen sentir que estamos haciendo más de lo que hacemos.


9.- Multiplataforma, pero mucho: Finalmente, me gustaría destacar una característica que muchas veces podríamos pasar por alto, y es que CCS se puede jugar en plataformas con sistema Android e iOS (móviles y tablets), así como en nuestro ordenador a través del navegador.  La comodidad de jugar en cualquier lugar y en cualquier momento, ya sea en la calle, en el sofá o en el escritorio, con la comodidad del ratón, hacen al juego aún más accesible. Todo esto, tiene un beneficio claro, y es que la cantidad de jugadores aumenta exponencialmente, y cuantos más jugadores, más posibilidades de ganar dinero.

¿Jugáis al Candy Crush Saga? ¿Habéis gastado alguna vez dinero? ¿Jugáis conectados con Facebook? A ver si comentáis unos cuantos y podemos hacer una pequeña encuesta. Eso, si tenéis tiempo, que esas tabletas de chocolate, no se van a destruir solas.

[Por favor, si no habéis visto el último episodio de Breaking Bad, no sigáis leyendo.]

Si el otro día tocó hablar del decepcionante final de Dexter, hoy toca hacerlo del de Breaking Bad, una serie muy superior a aquella, que tuvo una muchísimo mejor recta final.


Satisfecho al terminar de ver Felina, se abrió paso dentro de mí una sensación que no recuerdo haber sentido al terminar un episodio de la serie: la de una ligera decepción. ¿Pero cómo era posible? ¿Completamente satisfecho y decepcionado al mismo tiempo? Algo extraño acababa de ocurrir y, quizá, todo tenga que ver con que la sensación de satisfacción era demasiado plena y el último episodio, demasiado perfecto argumentalmente (dirección y actuaciones, por cierto, madre mía, inigualables). Algo no terminaba de encajar. No estaba temblando, no estaba llorando, no estaba mordiéndome los dedos, "simplemente" estaba muy satisfecho.

Al final, empezaré dejando las cosas claras, me ha parecido un gran final pero, lamentablemente, no me ha parecido genial. ¿Cómo podría haber acabado entonces la serie para que me hubiera dejado contento? No tengo ni idea. Quizá, y éste puede que sea uno de los problemas, si este episodio tenía que existir, no había una mejor forma de concebirlo. Puede que después de vislumbrar el magistral final que había enterrado en Granite State (algunos dirán que también en Ozymandias, pero para mí el siguiente episodio era más demoledor emocionalmente y más parecido a un final que me hubiera dejado tiritando), nada me hubiera satisfecho después. Pero el resultado es el mismo: Felina no ha destrozado mi mundo y me ha hecho sufrir, sino que ha resuelto todos los cabos sueltos de la serie y, además, ha terminado con Walter White triunfante, sonriendo en su último momento, después de que todo (esta vez y teniendo en cuenta las circunstancias) su plan terminara a la perfección, incluso lo no planeado.


Y es que, si os fijáis, Walter empieza el episodio rezando a algún dios [ex machina] que le permita cerrar todos sus asuntos pendientes y, al final, lo consigue: consigue encontrar un modo de llevar el dinero a su familia, consigue matar a los nazis y a Lydia, libera a Jesse una vez que sabe que es un prisionero, no un socio, puede matar el mismo al tío Jack y ver a Jesse matar a Todd, da a Skyler algo más para negociar con las autoridades e incluso, admite (tanto a ella como a nosotros) lo que todos han querido siempre escuchar de su boca, que todo lo que ha hecho, lo había hecho por él, no por su familia (¡y hasta rechaza saber dónde el resto de su dinero y mata a Jack!). Todo sale bien y termina muriendo, en el laboratorio que tanto le gustaba, de un modo u otro, por su propia mano, no por culpa de su horrible enfermedad.

Ahí está el problema que me surge con este final: todo sale bien y, además, todo sale bien para un personaje que no se merece redención o un final feliz. Y, sin embargo, viendo el episodio, pequeñas sonrisas cómplices se me escapaban viéndole triunfar, viendo al protagonista de la serie, al que ya no deseaba nada bueno, alzarse incluso cayendo. Puede que ahí esté uno de los grandes méritos de la serie y del episodio, el haber conseguido que, incluso a estas alturas, de algún modo y en lo más profundo de mi alma, quisiera que Walter White ganara. Ya ganó al final de la cuarta temporada, pero ahí (hay gente que comenta que ahí pudo acabar la serie: no me hagan reír, que eso sí habría sido un desastre), nunca sentí otra cosa que asco. Aquí, sin embargo, pese a todo, terminé el episodio, y me sentí satisfecho. El que hayan conseguido esto, pese a ser consciente del hecho, me hace quitarme el sombrero ante Gilligan y sus guionistas.


Entonces, ¿con qué me voy de la serie, con qué sensación? Si una cosa no ha hecho este episodio, es disminuir mi admiración y amor por la misma, así que me voy con la pena de que no volveré a ver nada parecido y confusamente satisfecho. Sí, al mismo tiempo, estoy deseando que el cierre de la serie hubiera sido tan valiente, sorprendente y catártico como muchos de los demás episodios, así que supongo que, en parte como el propio Walter, que muere feliz, pero muere, yo también me despido de Albuquerque, con una sonrisa en la cara por haber conseguido lo que quería, pero no poder llegar a disfrutarlo plenamente.

P.D.: Os recomiendo mucho que leáis este análisis de la serie y el final que ha hecho Valen en su blog. Es magistral y te hace plantearte muchas cosas, lo que considero lo mejor de todo.

[Si no habéis terminado de ver Dexter, que acabó con la emisión del episodio 8x12 el pasado domingo, mejor no sigáis leyendo]


Dexter se despedía el domingo preguntándonos si recordábamos los monstruos con el título de su episodio final [Remember the Monsters?]. Sí, los recordamos, y probablemente de ahí venga mi desencanto general con el final de la serie, no sólo su último episodio, sino su última temporada en general.

Dexter siempre ha sido una serie que decidió desde pronto que cada temporada exploraría diferentes posibilidades en las relaciones de su protagonista con el resto de la humanidad, tratando de explotar sus carencias y diferencias uniéndolo con diferentes personajes que resultaban constructos de aquello que en el fondo ansiaba, aspiraba o descubría desear (muchas veces sorprendido) nuestro asesino en serie preferido. Es por ello, que, sobre el papel, las ideas de la última temporada de la serie, eran interesantes [debo añadir que, sobre el papel, la mayor parte de las ideas de la serie han sido buenas y ha sido en la ejecución y desarrollo de las mismas donde ésta ha caído en numerosas ocasiones]: enfrentar a Dexter con lo más cercano a una madre (después de hermana, mujer, amante, víctima y alma gemela, el rol más importante que quedaba por explorar con una mujer), acudiendo a lo que, presumiblemente, lo comenzó todo, como inspiración, y llegando incluso a presentar a dicha madre como una madre orgullosa de su hijo y convencida de su perfección y lugar en el mundo. Parecía en los comienzos de esta última tanda de episodios, pues, que había algo interesante que explorar ahí, incluso atisbándose que los guionistas podían entrar a tratar, para acabar con el personaje, cómo él mismo se enfrentaba a la realidad de lo que era. Aunque esto rápidamente quedó lejos de las intenciones principales (al igual que en enfrentamiento con Debra que pareció que, al final, estaba de acuerdo con cualquier cosa), acudiendo a la vuelta de su amor verdadero y definitivo (Hannah), a su rol como padre/profesor y al que sería el principal enemigo del año, el verdadero hijo de su madre espiritual, que volvía desde las cenizas en un giro francamente culebronesco pero que, una vez más, teóricamente tenía su aquel.


Todo lo relativo al protagonista, este año, parecía construido partiendo desde una idea interesante y temáticamente apropiada en la que nadie se molestó en profundizar para ver hasta donde podía llegar. Pero, si de algo culpo a los guionistas este año (el último, recuerdo), más de que superficiales, es de cobardes. Como si se encontraran en una cadena en la que no podían permitirse desafiar al espectador y proponerle dudas morales, y abrazando que los últimos años ya se habían convencido de que Dexter era el bueno, sin matices de la serie, este último año lo que han buscado es fabricar una salida para el protagonista que sirviera para hacerle seguir siendo el bueno al mismo tiempo que les permitía quitarse de problemas evitando que fuera feliz.

En vez de decidirse a examinar de verdad al personaje principal de la serie y lo que es, dándole la vuelta a la tortilla y preguntando al espectador "¿de verdad sigues pensando que deberías querer que este personaje triunfe?", han preferido ir por la otra ruta, la que humanizaba al protagonista olvidando qué es lo que ha hecho. Cierto, en el final de la serie, Dexter se da cuenta de que ha traído la desgracia a los que le rodean (un poco tarde, digo yo) y decide que su penitencia deber ser la de terminar sus días solo, lejos de quienes quiere, cortando troncos. Bien, y yo me pregunto, ¿si querían ir por este camino en el que Dexter llega a esta conclusión, porque no se da cuenta también de que todo lo malo que le ha ocurrido a sus seres queridos es porque era un asesino en serie y de que si se va a Argentina con su amada y su hijo (a quienes, perdonen que les diga, está haciendo la vida miserable) y no vuelve a matar a nadie (cosa que ha descubierto ser capaz de hacer en el penúltimo episodio), todo irá bien?

Pero esto son especulaciones, la realidad es que los guionistas no han tomado riesgos creativos este año y se han conformado con la mediocridad y la superficialidad en el tratamiento de sus ideas. Sí, miren un ejemplo del último episodio: Debra es herida y Dexter recibe una llamada sobre su estado, ¿tiene que decidir si coger un avión o ver a su hermana en el hospital, lo cual puede que le complique la salida de Miami? No, porque el avión no salía de todos modos, porque los guionistas ponen una tormenta en el final de la serie para que les sirva como ayuda para barrer su incompetencia (les vale para un roto o para un descosido).


Cobardes, sí, pero además, en la tradición de sus peores momentos en la subtramas de la serie, olvidadizos: casi todo lo que aparece esta temporada en el camino de Dexter, no es relevante al final de la misma (da igual que Oliver/Daniel sea hijo de la doctora Vogel, que haya matado a su "aprendiz"... lo único que importa es lo último que ha hecho, herir a Debra, que no digo que no sea importante), sólo importa lo que importa, y es a dónde quieren llegar los guionistas y parece que querían hacerlo a través de la muerte del segundo personaje más importante de la serie, quien se va de una manera muy simbólica y apropiada que se ejecuta carente de emoción e impacto.

No hablaré de qué demonios pensaban con la trama de Masuka y su hija o la mera existencia de un personaje como Elway, que ha terminado siendo la nada, un vehículo no muy interesante para obstaculizar la trama. Pero sí de que este año era el momento de dar un paso adelante y no a un lado, de afrontar que Dexter es un asesino que ha matado a decenas de personas. Esto no hace que no sea humano o que no se pueda jugar con la idea de que ha ido evolucionando hacia la humanidad desde un punto inicial en el que había sido puesto por su padre y la doctora Vogel (de forma equivocada) basándose en que no podía ser una persona. Esto lo que hace es que es un personaje que merecía un final diferente, quizá un castigo no autoimpuesto de "forma honorable" por su propia y santa figura, quizá la culminación de su humanización cuando menos la necesita y más la odia (hay flashes de que esta idea alguna vez saltó en la mente de los creadores, pero tampoco se le da forma).


Pero, al final, hemos tenido lo que hemos tenido. Los finales de serie son complicados de escribir y nunca satisfacen a todos, pero pueden ser más o menos adecuados en su idea principal. En este caso, yo creo que la peor idea es la que ha tomado vida. Sí, hacer a Dexter humano al final y entonces hacer que sufra solo es una idea clara, pero en este caso, está tan mal ejecutada, tan poco ganada por la historia, tan carente de emoción para quien la ve desenvolverse (en parte la culpa también hay que asignarla aquí a la estructura y torpeza general de la temporada, que ha hecho que casi todos perdiéramos interés en qué iba a ocurrir y la poca implicación con los personajes que nos quedaba), que todo termina siendo, más allá de los matices e incluso dejando de lado casi todo lo que he dicho, underwhelming [perdonen mi falta de vocabulario castellano, pero esta palabra en inglés es la que mejor define lo que siento]. Peor aún, si hay algo que siento ahora, es indiferencia. Ya se sabe: no hay mayor desprecio, que no hacer aprecio.

P.D.: El flashback es bastante obvio y cutre. No quería dejar de decirlo.

P.D. 2: Perdonen el título (suena pedante) pero usar los famosos versos del poema The Hollow Men de T S Eliot me resultó muy apropiado.

Otra entrega de mis aventuras "animeras". En esta ocasión he tenido menos tiempo para probar cosas que la vez anterior, pero ha habido alguna novedad y cosas interesantes que comentar. Ahora, ya no sólo gracias a Netflix y Hulu Plus, sino también a vosotros, vuestros comentarios y tweets. En cualquier caso, vamos al lío, que os cuento algunas de mis impresiones.


[Los nombres de los animes son por los que vienen en estas plataformas].

Fullmetal Alchemist: Brotherhood [2009]: Continuando con mis buenas sensaciones que os comenté, terminé la serie (64 capítulos) y vi sus 4 OVAs (extras curiosos no obligatorios). Me ha encantado. Me ha gustado tanto, de hecho, que sigo buscando algo que se le parezca y no lo encuentro. Una historia única de principio a fin, personajes grandiosos y coherentes, humor en su justa medida que corta un poco del tono dramático y duro (yo lo agradezco y conseguir un balance tan bueno me parece muy meritorio), acción inteligente, emoción y un gran final. Hasta para los que no os guste el anime, yo creo que merece una oportunidad.

Darker than Black [2007]: Una de vuestras recomendaciones me parece que le debo algunos episodios más pero también creo que sufre de algo que sufren muchos otros animes que he visto, una premisa estupenda, con muchos toques originales pero que en el primer episodio no se desarrolla de forma que uno tenga la sensación clara de qué es lo que va a ofrecer la serie, sin dejar personajes que, de primeras, parezcan memorables o enganchen y un tomo muy dramático continuo. Otros animes que tienen algunas de estas características (como luego hablaré) sí me han enganchado más, pero éste de primeras, pese a un gran potencial e ideas muy interesantes, no lo ha hecho.

Hero Tales [2007]: Basado en otro manga dibujado (que no guionizado) por Hiromu Arakawa, autora de Fullmetal Alchemist, pasé por ella por la relación tangencial con aquella pero, la verdad, pese a cosas curiosas, me aburrió un poco y no me pareció muy memorable, así que la dejé a mitad del segundo episodio. No parece mala obra, pero no me llamó la atención casi nada de lo que ofrecía.


Attack on Titan [2013]: La sensación del anime de este año (basada en un manga del año pasado, aún en emisión, pero sólo con 25 capítulos) por lo que me cuentan, está en mi parrilla de series semanales. La premisa y estilo me parecieron absolutamente geniales en su comienzo, lo que combinado con la implementación de la premisa en sí, sus consecuencias y lo que tiene que decir sobre la humanidad, todo unido a la sensación de catástrofe y horror continuos, me enganchó. Dicho eso, tengo que reconocer una cosa y es que, en el primer gran giro de la historia (ya sabéis cuál), me dio la sensación de que el ritmo del anime desciende así como su interés. Bajo ningún concepto se convierte en algo horrible, pero en ese momento los personajes ultradramáticos y el avance de la historia sufrieron para mí. Y es que los personajes, francamente (por lo menos hasta la introducción de algunos nuevos en los últimos episodios), son bastante insoportables en general, comprensibles la mayor parte del tiempo, pero bastante aburridos. Como la trama es la que lleva el peso de verdad, en el momento en que frena o tropieza un poco, todo sale a relucir. Con todo, con lo corta que es, no tenéis excusa para verla, porque creo que tiene algunos elementos que la hacen digna de lo mejor que se ha podido hacer en los últimos años.
[Actualización 04/10/2013: Acabo de terminar los 25 episodios... Y no termina, habrá más episodios... Y cómo termina, la madre que los parió... En fin, pese al bajón de interés, creo que en la recta final recuperó el interés y las cosas se pueden poner muy interesantes.]

Fairy Tail [2009]: Echando un ojo por Hulu vi que esta serie parecía poder tener potencial para parecerse a FMA por el humor pese a que estaba desarrollada dentro del mundo de la magia, no de la alquimia (cosa que, al final, no era lo importante en aquella, para qué vamos a engañarnos), así que le eché un ojo al primer episodio y después al segundo para confirmar. Este anime tiene potencial para ser muy chulo (algo largo, eso sí, para lo que quiero, con 175 episodios) pero muchas cosas se ponen en su camino. Primero el humor. En vez de estar para ayudar a digerir drama o como contraste, aquí es constante, CONSTANTE, pero claramente, esto no es una comedia, lo que pasa es que está mal enfocado porque, tal y como está distribuido el tono, lo único que consigue es que no te interese lo que pasa porque da la sensación de que no hay nada en juego y, además, tampoco sitio para caracterizar a los personajes. Es entretenida y ligera, eso sí, pero no me enganchó nada y tampoco es tan imaginativa que se lo pueda permitir.

Desde que tengo Netflix y Hulu Plus, mi tiempo libre tiene una pinta diferente, eso es así. Pero, además del entretenimiento añadido, el verdadero placer de estos servicios es poder descubrir cosas nuevas, navegar de forma un poco caótica y aleatoria probando series y películas (sobre todo las primeras, por temas de brevedad) que, de otro modo, nunca tocarías. Esto último no es porque uno se quede con el "pues bueno, lo veo, que para eso pago", sino por la disponibilidad (no siempre es posible encontrar estos contenidos de otro modo), la calidad de imagen (sobre todo en Netflix) y el sistema de recomendaciones según tus visionados.


Al final, y de pura casualidad, el género en el que entré en una pequeña espiral de pruebas fue el anime, que hacía tiempo que no tocaba con mucho interés y del que sé que había cosas que me estaba perdiendo. Así que, después de preguntar un poco por Twitter, empecé con un anime, lo vi entero, y después me puse a probar más y más.

Aquí os dejo algunas de las cosas que he ido descubriendo y mi opinión breve sobre ellas que, espero, os valga para descubrir también a vosotros (o prestar atención), productos que, de otro modo, pasarían desapercibidos a vuestra mirada. Yo, desde luego, no me sentía así desde que descubrí por casualidad Slayers, que me encantaba de jovenzuelo.

[Los nombres de los animes son por los que vienen en estas plataformas]

Samurai Champloo [2004]: 26 episodios de historia cerrada en la que nunca se pierde el hilo y siempre se ve la meta final. Tres protagonistas perfectamente definidos en un anime único del creador de Cowboy Bebop que mezcla rap, japón feudal, historias duras y humor negro, con acción muy bien pensada y estupenda caracterización muy consistente. Muy entretenido y extrañamente original, sobre todo estilísticamente, tratando de alejarse un poco de la fidelidad histórica rígida, simplemente aprovechando la historia para acomodar el argumento. Breve y muy bueno.

Psycho-Pass [2012]: Una de las últimas sensaciones del mundillo del anime, he visto el primer episodio y veo su posible valor. Mezclando ideas clásicas de ci-fi, sobre todo cercanas a Philip K. Dick, con acción. Se ve potencial dramático y para buenos momentos de duda moral, pero el primer episodio hace pocos esfuerzos por decirte de qué va la serie o cuál va a ser la tónica. Incluso parece algo confuso a la hora de mostrar quién es el protagonista de la historia. Pero no pinta mal. Si alguien lo ha visto, que me cuente.


Highschool of the Dead [2010]: Más allá de su intento de contar una historia de zombies en un ambiente juvenil y hacerlo desde una perspectiva de terror, sin caer en la parodia o el revisionismo, este anime, del que me bastó el primer episodio, es uno de esos en los que el "componente pajillero" es tan vergonzoso que resulta una distracción demasiado grande. Tampoco ayuda el drama emocional de baratillo, pero bueno, eso podría aguantarse. No tiene nada realmente atractivo.

Rin: Daughters of Mnemosyne [2008]: Aquí también hay bastantes momentos gratuitos de explotación de la figura femenina, pero lo cierto es que la historia resulta muchísimo más interesante que en el caso anterior y, en el fondo, tiene como protagonista a una mujer fuerte, decidida e inteligente. Ésta es un detective privado que coge cualquier tipo de caso para ganarse la vida pero que termina metiéndose en extraños líos... Ah, y es inmortal. Aunque el tema "culos y tetas" tiene un par de escenas de bochorno, la verdad es que no descarto ver algo más, sobre todo teniendo en cuenta que sólo tiene 6 episodios y la historia puede tener su aquel.


Mushi-shi [2005]: Extraño caso dentro del limitado mundo del anime que yo tengo en mi mente, aquí tenemos una serie de fantasía con un ritmo muy calmado, contemplativa y de lo más interesante, con una premisa de lo más curiosa. Gira en torno a un mundo invisible que no vemos poblado por un reino de los seres vivos que la mayoría no podemos ver y trabaja bien con pocos personajes e ideas. Tengo pendiente ver más de sus 26 episodios porque la propuesta, completamente distinta a la que estoy acostumbrado, puede funcionar.

Shigurui: Death Frenzy [2007]: Y, hablando de cosas diferentes, este anime de 12 episodios, que está enmarcado dentro del género de espadas y samurais, pero que tiene una aproximación completamente diferente a la habitual, en cuanto a ritmo y caracterización, pero sobre todo en el sentido de que se centra en la rivalidad entre dos samurais (uno ciego y otro con un brazo) que se enfrentan en un torneo en plena era Tokugawa. La serie consiste en diferentes flashbacks que nos cuentan cómo llegan a este punto. Diferente, sin duda.


Fullmetal Alchemist [2003]: Me daba algo de pereza empezar con la serie pero una vez que me puse estuve realmente convencido con ella. El problema es que sólo vi 4 episodios porque me recomendaron más la siguiente, que está más fielmente basada en el manga (y que, ya que estamos, tiene mejor animación), pero sin duda puede estar muy bien. El punto de partida son dos hermanos alquimistas que cometen el tabú de intentar resucitar a su madre y pagan un precio terrible con su propia sangre. Un drama complejo y duro.

Fullmetal Alchemist: Brotherhood [2009]: Como digo, me gustó más esta versión de la historia. Primero porque entra de forma muy interesante en la mitología y misterios de la serie muy rápido (aunque esto parezca dejar la caracterización de los protagonistas más aparcada que en la anterior, por lo menos al comienzo) y sigue teniendo las cosas que hacen a la anterior buena, como la exploración del tema de la alquimia, el drama muy duro (MUY duro), personajes carismáticos... Y, además, tiene más humor, ya me ha dicho alguien en Twitter que no aguanta los momentos de humor de esta adaptación, pero personalmente me parecen muy bien hechos, muy divertidos y pequeños descansos entre tanta dureza. Acabo de ver el episodio 16 y me tiene muy enganchado, la verdad. Os la recomiendo mucho. Si no os convence, probad con la anterior.


¿Algún anime más o menos reciente que me queráis recomendar? A ser posible, que esté disponible en alguna de esas plataformas, que así me ahorro incomodidades (por pedir...).